Présentation par Chantal Colleu-Dumond, Commissaire de l’exposition (extrait)
« Qu’est-ce que la nature ? Qu’est-ce que la photographie ? Quels sont leurs liens avec l’architecture ? Chaque année, Chaumont-Photo-sur-Loire propose des réponses singulières à ces questions. Des réponses qui ne sont ni doctes, ni théoriques, mais sensibles. Des images de nature, qui nous révèlent quelques secrets, tant sur le sujet photographié, que sur celui qui tient l’appareil ou sur le médium en lui-même.
Cette sixième édition de Chaumont-Photo-sur-Loire rassemble six artistes que l’attrait de la nature a rendu poètes et magiciens. Qu’ils aient choisi d’en observer un détail ou d’embrasser un paysage entier, ils ne dissertent pas, mais se tiennent chacun à l’orée d’un temps qu’ils nous offrent en partage. Hors de tout contexte, l’image parle d’elle-même. Si chaque édition de Chaumont-Photo-sur-Loire est l’occasion pour nous d’attirer l’attention des visiteurs sur le caractère précieux et fragile de la nature, cette sixième édition est volontairement plus silencieuse et méditative, qualités propices à provoquer l’émerveillement plutôt que la prise de conscience, tant nous sommes fondamentalement convaincus que notre société a besoin de beauté et de douceur. ».
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Gilles Aillaud
Important
Marika Prévosto
À
sandie hatem
jul 1 à 2h10 PM
Gilles Aillaud, Le silence sans heurt du présent
En coproduction avec les Musées des beaux-arts de Rennes et de Saint-Rémy de Provence, cette rétrospective parrainée par la Fondation d’Entreprise Michelin est la première grande exposition consacrée à l’artiste depuis 10 ans. Une cinquantaine de tableaux provenant de grandes collections publiques et privées seront exposés au FRAC Auvergne.
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Exposition du 10 décembre 2016 au 05 mars 2017.
Fondation Maeght, 623 chemin des Gardettes – 06570 Saint-Paul de Vence. Tél. : +33 (0)4 93 32 81 63. Ouverture tous les jours de 10h à 18h.
Exposition du 10 décembre 2016 au 30 mars 2017.
Espace de l’Art Concret, château de Mouans – 06370 Mouans-Sartoux. Tél. : +33 (0)4 93 75 71 50. Ouverture du mercredi au dimanche de 13h à 18h.
À l’Espace de l’Art Concret, mettant en jeu le concept d’art total dans C’est à vous de voir..., , Pascal Pineau investit les espaces du Château pour en retrouver la fonction originelle, interrogeant la valeur d’usage des œuvres. Expérimentant les limites du décoratif et de l’ornemental, il ouvre un dialogue entre pièces issues de l’artisanat, du design, objets de brocante et œuvres d’art ‘proprement dites’. Ainsi, les salles d’exposition se transforment en une succession d’espaces domestiques fictifs. Cuisine, bureau, salon, chambre d’enfant, suite parentale… chaque pièce peut se percevoir comme un portrait en creux de l’artiste qui pose un regard introspectif sur une trentaine d’années de pratique artistique.
Sur l’invitation de Pascal Pinaud, Alexandre Curtet, fondateur de Loft interior designers, a été sollicité pour concevoir l’aménagement intérieur de ces espaces en dialogue avec ses œuvres, mais aussi celles d’artistes avec lesquels ce dernier partage des affinités esthétiques, comme Noël Dolla, Mathieu Mercier, Natacha Lesueur, Philippe Ramette…
Éric Poitevin - Galeries Hautes du Château
Dans les Galeries hautes du Château, une sélection d’images appartenant à plusieurs séries témoignent de l’intensité avec laquelle Poitevin envisage la nature. Il ne s’agit jamais pour lui d’illustrer ou de commenter mais toujours de saisir l’être au présent. Ses sous-bois, ses arbres, ses plantes séchées s’offrent comme jamais au regard laissant le blanc du ciel cerner les branches ou, au contraire, les feuilles et tiges trouer un espace sans temps ni repères. Chaque photographie est une entreprise sérieuse, préparée avec soin, construite méthodiquement, posée, comme l’entendait le XIXe siècle avec Nadar, Alexandre Rodtchenko ou encore Raoul Hausmann. Mais si certains récits s’inscrivent dans le travail d’Éric Poitevin, c’est seulement en filigrane, car jamais le photographe ne raconte d’histoires.
Éric Poitevin aime être aux prises avec la matière et la lumière, il aime cette “dimension bricolage” à laquelle il s’attaque en conscience. Pour lui, le laboratoire est une forge, le portrait un exercice éprouvant. Alors pour s’affranchir un temps des préparatifs, se ressourcer en quelque sorte, l’artiste transporte régulièrement sa chambre photographique dans les sous-bois. Là où habituellement il ramasse des champignons, il s’offre des séances en prise directe, non pas avec la nature, mais avec la photographie, emprunte un raccourci vers l’image. Une image qui a toute sa confiance. “J’ai un parti pris : la photographie, toutes les photographies, rien que la photographie”, affirme-t-il.
Ljubodrag Andric - Galeries Hautes du Château
Dans les Galeries hautes du Château, le Domaine de Chaumont-sur-Loire présente une quinzaine de photographies caractéristiques de l’oeuvre de Ljubodrag Andric où détails et plans serrés architecturaux forcent l’oeil à l’imagination. À mi-chemin entre la peinture abstraite, voire pictorialiste, et la photographie d’architecture, l’oeuvre de Ljubodrag Andric invite à contempler des environnements architecturaux épurés, géométrisés, habités par une matière qui leur offre une profonde singularité. Les murs sont au coeur de l’oeuvre, vibrants échos aux fresques de la Renaissance italienne, tradition picturale à laquelle se rattache volontiers le photographe. Imprimées en grand format (environ 120 x 160 cm), les images s’imposent au regard, provoquant une expérience physique de l’architecture figurée et mettant en exergue leur lumineuse matière.
Leurs titres (Venise, Naples, Mândû, Jaipur...) sont des références géographiques bien connues pour leur patrimoine exceptionnel, mais aussi des leviers extraordinaires pour tout l’imaginaire du voyageur. À travers les propositions d’Andric, ces lieux physiques investissent l’oeil parés des mythes et des cultures qui leur sont attachés. Ils s’offrent une nouvelle identité, un sens caché distillé par l’artiste et complété par la sensibilité du regardeur. Ce qui en ressort est un sentiment d’ordre et d’immobilité, une suspension du temps. Mais les taches et les fissures dans le mur – les effets du temps et des intempéries – empêchent l’image d’entrer dans le domaine de l’intemporalité.
Nicolas Floc’h, Initium Maris - Galeries de la Cour Agnès Varda
Nicolas Floc’h a toujours inclus le vivant – végétal, animal ou humain – et ses flux dans ses projets artistiques. Depuis une dizaine d’années, son intérêt pour la représentation du milieu sous-marin donne lieu à une production photographique documentaire, liée aux changements globaux ainsi qu’à la définition de la notion de paysage sous-marin, et à une série captant les couleurs de l’eau, photographies rejouant le monochrome en peinture tout en témoignant de la santé des océans, des cycles biogéochimiques impactés par l’activité humaine. Prises au grand angle, les photographies (tirage au carbone) de Nicolas Floc’h veulent montrer ce qui s’étend “sous le regard” dans le flux, sans présence animale ou humaine: atmosphère, terres, glaces... Une eau qui se charge de tous les sels minéraux, sédiments, matières organiques propres à entretenir la vie mais qui, aujourd’hui, charrie également substances et déchets produits par l’Homme. Au Parc national des Calanques, par exemple, il a pris des photos à intervalles réguliers de 10m, pour “avoir une lecture du trait de côte, un inventaire des paysages”.
Le nombre d’images réalisées sur un site peut s’élever à plusieurs dizaines de milliers, car l’artiste ne travaille jamais pour lui seul, mais également pour les scientifiques, qui demain pourront étudier l’évolution de la zone photographiée.
Au Domaine de Chaumont-sur-Loire, l’artiste présente Initium Maris, volet breton de Paysages productifs. À l’opposé de l’iconographie sous-marine habituelle, ses splendides photographies en noir et blanc décrivent des scènes de forêt sous-marine à la limite de la fiction. Sommes-nous encore sur Terre ou l’artiste nous entraîne-t-il dans un autre monde ? Avec lui, l’inconnu et le merveilleux ne sont pas forcément à aller chercher au-delà de notre galaxie.
Loredana Nemes, Graubaum Und Himmelmeer / Arbre Gris Et Mer Céleste – Asinerie
En 2019, alors que Loredana Nemes sort à peine du vernissage d’une exposition importante et épuisante concernant des thématiques sociales, un appel va changer le cours de son oeuvre : une invitation à se rendre à Rügen. Elle, qui ne connaît pas la plus grande des îles allemandes de la mer Baltique, va tomber sous le charme puissant de cette terre en surplomb. Comme un écho lointain aux forêts transylvaniennes de son enfance, celles de Jasmund la fascine. La photographe s’émerveille à jamais des paysages enneigés. Ce séjour sera le premier d’une longue série, toujours en cours.
À Rügen, Loredana Nemes marche seule le long des falaises de craie qui, parfois à plus de 100 mètres de hauteur, se dressent dans des eaux couleur de ciel. L’endroit est d’une beauté à couper le souffle et surtout à faire naître l’inspiration. La photographe explore une nature préservée, observant tant les hêtres du parc national de Jasmund que le littoral dentelé de l’île bordé d’une eau turquoise.
Toujours en noir et blanc, les images de Loredana Nemes ne viennent pas sur commande. Au changement, la photographe préfère la constance. Elle emprunte toujours les mêmes chemins aux mêmes hêtres, est attentive au blizzard, à l’horizon limpide, aux ombres dures et aussi à ce renard peu farouche. Dans un premier temps, il lui faut s’approcher, ressentir ce et ceux qui l’entourent, être émue par leur fragilité commune. Présentée au Domaine de Chaumont-sur-Loire, la série Graubaum und Himmelmeer n’existe que grâce au silence de l’hiver, aux bruissements du printemps, à l’éclat de l’été et aux couleurs de l’automne.
Bae Bien-U - Galerie Basse de l’aile Ouest du Château
Bae Bien-U fait partie des artistes fidèles au Domaine de Chaumont-sur-Loire. En 2014, les visiteurs découvraient ses magnifiques tirages panoramiques en noir et blanc des Pins de Gyeongju, puis en 2019-2020, les Orums, images de collines volcaniques aux allures de peintures abstraites. Cette année, d’autres ambiances sont montrées, de larges horizons offrant à l’oeil du visiteur un souffle renouvelé. L’on demeure longtemps fasciné par des collines cernées de brumes ou d’oniriques graminées claires en suspens.
Bae Bien-U exerce l’art de la photographie depuis plus de quarante ans. Il est aujourd’hui incontestablement le plus grand photographe coréen contemporain. Reconnues dans le monde entier, ses oeuvres au langage universel reflètent avant tout la préoccupation du peuple coréen à vivre en harmonie avec la nature, dont Bae Bien-U photographie le mouvement en mode panoramique. Son oeuvre est à la fois une invitation à communier avec l’environnement naturel et une métaphore où l’arbre – ce lien entre ciel et terre comme l’artiste aime à le considérer – pourrait bien être nous.
La photographie de Bae Bien-U ne témoigne pas d’un instant T ou d’un événement particulier, elle est un “attrape-esprit”, tel celui qui fait surgir des lieux mythiques pour en restituer l’énergie vitale. Il y a de la dramaturgie, de la magie aussi, dans ces images au pouvoir subjuguant. L’utilisation du noir et blanc et du cadrage serré rend le sujet indiscernable. Le photographe brouille les pistes. Peinture ou photographie ? Une pratique qui rattache l’artiste à la pratique picturale de ses jeunes années. À la question des artistes qui auraient pu l’inspirer, il évoque le groupe de photographes américains f/64, engagé dès 1932 à promouvoir une forme photographique indépendante des arts graphiques préexistants, et la peinture de Jeong Seon (1676-1759), peintre coréen connu pour avoir développé un style distinct de la tradition chinoise.
Thierry Ardouin - Galerie basse du Fenil
L’exploration du monde des graines débute en 2009. À cette époque, Thierry Ardouin réalise un travail documentaire sur l’agriculture française pour le collectif Tendance Floue, qu’il a participé à fonder en 1991. Lors de ses recherches, il découvre le Catalogue officiel des espèces et variétés végétales, répertoire des variétés de légumes, de céréales et de fruits cultivées en France. Surprise : la plupart des graines de ce catalogue sont protégées par des brevets détenus par de grandes entreprises semencières. Dans un contexte politique où il est beaucoup question des sans-papiers, le photographe constate qu’il existe des graines “brevetées” et donc en quelque sorte “légales”. Une question s’impose alors : est-ce qu’une graine “légale” ressemble à une graine “illégale”? Les graines étant minuscules, il décide d’aller au plus proche de chacune et pour ainsi dire de leur tirer le portrait.
Soutenu dans sa démarche par la marque Olympus, mécène pour l’heure du collectif, Thierry Ardouin se voit confier une loupe stéréo macroscopique binoculaire, qui ressemble à un microscope auquel il est possible d’adjoindre un appareil photo, sans objectif toutefois. La mise au point est très délicate et passe par un processus d’environ 10 à 15 minutes pour chaque prise de vue. Ainsi équipé, le photographe fait des découvertes extraordinaires. Ainsi apprend-t-il que les microscopiques poils recouvrant les graines de tomate ou les crochets des graines de carotte sont utiles pour leur dissémination. Les graines certifiées, quant à elles souvent enrobées de pesticides ou d’argile, perdent ces qualités.
Thierry Ardouin est stupéfait par la beauté des graines qu’il découvre dans les collections du Muséum national d’histoire naturelle, du Centre de coopération internationale en recherche agronomique pour le développement et au Centre de ressources biologiques des céréales à paille, de Clermont-Ferrand. Plus de 500 portraits sont réalisés et une moitié rejoint le livre Histoires de graines édité en 2022 par l’Atelier EXB. “Il y a du mystère dans les graines, un mystère qui rappelle celui nimbant les astres lointains. Par leur forme, les graines, de près ou de loin, ressemblent à des étoiles, à des astéroïdes en lévitation dans le cosmos, par leur petit corps sec, sphère aux tissus bruns déshydratés, dont l’apparence inerte ne révèle rien de l’énergie vitale qu’elles recèlent. Tout comme les étoiles, les graines appartiennent au royaume de la nuit, la nuit du sol. Si nos yeux pouvaient percer son obscurité, peut-être les verrions-nous rayonner en apesanteur dans la terre, étincelante constellation de vies possibles”, écrivent la chercheuse en biologie évolutive Marion Chartier et l’ingénieure paysagiste et journaliste Charlotte Fauve dans l’ouvrage, qui de l’émergence de l’agriculture, il y a plus de 10000 ans, aux questions que soulèvent les semences hybrides actuelles, en passant par la découverte des usages des graines à travers les cultures et les époques, explore les enjeux de la diversité.
Dans la Galerie basse du Fenil, 52 portraits de graines de différents formats sont répartis en quatre thématiques aux intitulés poétiques et évocateurs, reprenant celles imaginées par la commissaire d’exposition et éditrice, Nathalie Chapuis : Éclore au monde, le voyage des graines, Les débuts de l’anthropocène, Nature vs Culture, brassage planétaire et Enjeux politiques, pour une écologie humaniste. Cette exposition de l’Atelier EXB est co-produite avec le CENTQUATRE-PARIS.
